Image stable, fluide… merci Zhiyun !

La vidéo qui tremble, l’image qui va de gauche à droite, les plans saccadés dès qu’il faut bouger pour filmer… Tout le monde connaît, peste et se désole. Heureusement, la technique, elle, ne baisse jamais les bras (et les caméras). Grâce à sa majesté : le stabilisateur. Mais qu’est-ce que c’est ? Une poignée steadycam compacte, légère et surmontée d’une nacelle pour accueillir, selon les modèles, différents types d’appareils de poids différents. Dans la poignée, turbinent trois moteurs couplés à trois gyroscopes qui assurent en continu la fluidité, la stabilité et le rendu idéal de la prise de vue en plein mouvement.

Poignée magique

Le résultat est tout simplement bluffant. Même des photographes-vidéastes pro comme notre expert Denis Closon ne sait plus s’en passer « Après le Crane 1 V2, J’ai acquis le Zhiyun Crane 2 avec lequel j’ai filmé l’aftermovie du marathon de Namur 2018. J’étais vraiment en train de courir à côté des participants armé de mon stabilisateur surmonté de mon Reflex. Et même dans ce contexte très chahuté, tous les plans sont super fluides. Mieux encore, la qualité d’images obtenue n’est possible qu’avec le stabilisateur. Aucun travail de postproduction n’est capable d’arriver à un tel résultat ». Les prises de vue sont en effet hyperstables et sans secousses grâce à la correction opérée par 4000 synchronisations par seconde, une compensation rapide et efficace de toute perturbation en seulement 0,25 milliseconde. Ajoutez-y un fonctionnement hypersilencieux, un joystick intégré au manche, une autonomie qui peut varier de 10 à 18 heures selon les modèles et une virtuosité de mouvements (selon différents modes ) qui laissent sans voix.  Certains stabilisateurs peuvent même filmer tant avec la caméra en haut et manche en bas, que… le contraire !

Chacun son Zhiyun

Si la caméra ne tremble plus, vous vous dites sans doute que c’est votre portefeuille qui va trembler. Et bien pas tant que ça. Il existe en effet des stabilisateurs coûteux comme DJI. Mais de son côté, la marque chinoise Zhiyun est passée maître de la stabilisation avec une gamme de poignées au meilleur rapport qualité/prix du moment. De deux à trois fois moins chers. C’est à dire avec un éventail de poignées oscillant entre 199 euros (Smooth Q) et 799 euros (Crane 2). Car Zhiyun a développé une panoplie d’outils de stabilisation correspondant à tous les profils de vidéastes, du plus amateur au plus pro, à tous les types d’appareils, du plus léger au plus lourd.

C’est ainsi que le Smooth Q sublimera les images filmées par votre smartphone. Que le discret Crane-M pourra aller fureter dans des endroits plus exigus et emmènera plutôt des appareils compacts ne dépassant pas les 600 g,  Avec le Crane V2 on monte en catégorie mi-lourds capable d’embarquer sans trembler des duos boitier+objectif jusqu’à 1,8 kilos, tels des solides hybrides genre Lumix, Sony Alpha 7, voire un reflex style Canon 5D Mark IV.  Le Crane Plus  a lui les épaules larges pour un poids d’emport d’appareil jusqu’à 2,5 kilo. Une limite allègrement franchie par le plus haut de gamme : le Crane 2 superéquipé et sa tolérance saluée par les pros vidéos de 3,2 kilos de charge utile. Un must à « seulement » 799 euros. Avec une telle palette de stabilisateurs (assortis de petites fonctions spécifiques à chaque type), quiconque a l’occasion méritée de créer enfin des films irréprochables…  Et d’enfin pouvoir crâner comme un pro !

Le K1 de Pentax fait sa mise à jour

De prime abord, s’adonner au jeu des 7 différences entre le K1 sorti en 2016 et sa version reliftée de 2018 ne semble pas très évident au premier coup d’oeil. Boîtier à l’identique, capteur CMOS 35 mm plein format, tropicalisation et étanchéité totale,  fonctionnalités performantes déjà initiées par l’aîné. Sauf que le Mark II, c’est le K1 augmenté des dernières technologies et  de potentialités images survitaminées. C’est bien du côté photos que la différence se marque par un bond qualitatif  permis par l’évolution sensible de ses performances techniques sous le label Mark II.

Résolution supérieure

Le système Pixel Shift Resolution passe en version II, toujours en 36 millions de pixels, pour une résolution supérieure en haute définition au format 24 x 36. Pentax revendique « le premier mode multi shoot à main levée de l’histoire ». Même sur des sujets en mouvements grâce à sa nouvelle stabilisation intégrée sur cinq axes, à son option « Dynamique » et aux gyroscopes internes. La correction des mouvements du photographe et la précision de l’analyse de scène ont été sensiblement renforcées. Le système peut opérer notamment la fusion de 4 images en 1 de qualité supérieure. Le premier K1 offrait déjà cette fonction mais, les sujets devaient être fixes et l’appareil, sur trépied… Une nouveauté à tester.

Sensibilité maximale

L’optimisation Mark II fait aussi la différence du côté des ISO qui, entre les deux modèles, bondissent de 204.800 à 819.200 ISO ! Un véritable « plus » renforcé par l’intégration d’une nouvelle unité accélératrice couplée au processeur Prime IV (déjà présent sur le K1 de base). Le duo technologique produit des images de haute définition avec un bruit numérique minimal dans les situations de faible luminosité. Les images explosent d’une précision accrue dans les détails et de couleurs plus fidèles dans n’importe quelles conditions lumineuses. Le Mark II dispose aussi d’un système plus affuté d’analyse de scène en temps réel qui permet une meilleure distribution de la lumière dans le champ cadré, des couleurs et des mouvements des objets.

Dernières bonnes nouvelles

A 1899 euros pour cette formidable boîte à images musclée et technologiquement régénérée,  le nouveau Pentax K1 Mark II peut franchement rivaliser avec ses concurrents Canon et Nikon sur le créneau 24 x 36. Mais quid de ceux qui possèdent déjà le Pentax K1 premier modèle ? Pas de panique ou frustration! Via son service après-vente, Ricoh Imaging vous propose une métamorphose (matérielle et logicielle) de votre K1 en K1 Mark II pour environ 500euros. Une bonne affaire ! Avec à la clé une vraie cure de jouvence et de modernité pour ce Reflex, plus solide que jamais.

Conseil de pro : dompter le plein soleil et ses mauvaises ombres

Tous les photographes en conviendront, le soleil c’est beau mais quelle plaie lorsqu’en milieu de journée il écrase tout de sa « lumière dure ». Même notre expert Denis Closon, émérite photographe de presse, redoute toujours ce meilleur ami-ennemi d’une photo de qualité. Mais parfois, faute d’alternative, il faut composer avec le trop plein de luminosité déversé par l’astre à la verticale et trouver des parades à ses effets pervers : ombres disgracieuses, surexposition, altérations des couleurs, zones claires « brûlées »…

« Yeux de pandas » et contre-jour

Au rayon des premières victimes du plein soleil, les portraits. Pourtant, on se dit : pas de souci de lumière tant elle est abondante. Oui, mais trop. Car à la verticale des sujets, le soleil jette sur les visages des ombres qui mangent le dessus des yeux et transforment toute la zone oculaire en deux cavités sombres et inexpressives façon « yeux de panda ».  Le comble pour un portrait ! « La meilleure parade est de ne pas hésiter à mettre son modèle dos au soleil en contre-jour, ce qui détoure de belle manière en mettant en valeur les cheveux et épaules, détaille Denis notre expert. Ce qui met surtout le visage hors d’une forte lumière directe et évite les ombres portées en dessous du nez ou ailleurs. Cela contre aussi l’effet d’éblouissement du sujet qui le force à froncer les sourcils et plisser les yeux. Dos au soleil, il peut afficher des traits détendus ». Mais en termes de luminosité, est-ce suffisant ? Pas toujours.

Le coup de flash

En effet, si le contre-jour amène uniformité lumineuse et sérénité sur le visage, celui-ci ne sera peut-être plus assez éclairé. D’où un deuxième conseil. « Donnez un petit coup de flash mais à faible puissance, un jet de lumière discret qui éclairera juste ce qu’il faut les traits pour les harmoniser à la lumière ambiante. Et renforcer l’expressivité du visage dont il faut évidemment proscrire toutes lunettes de soleil ! »

Le soleil, écrasant mais… génial

Si l’on quitte l’exercice périlleux du portrait en condition de « lumière dure », on peut envisager le problème sous d’autres angles… créatifs. En effet, le handicap d’une luminosité ultra-forte peut devenir une force photographique en se concentrant sur les effets qu’elle produit en ombres portées, reflets, rapports géométriques, silhouettes découpées au cordeau par l’intensité lumineuse. Pour cela, il faut modifier son regard, rechercher la multitude de modifications intéressantes imposées à un paysage, une rue, une foule, un bâtiment par le jeu du méga spot naturel.

L’ombre pour… encore profiter du soleil

Certains opteront pour un repli prudent à l’ombre, d’un bâtiment, d’une tente, d’un parasol ou d’une zone arborée moins problématique en termes de lumière. « Il y sera en effet plus aisé de parvenir à une luminosité idéale et un regard du sujet toujours bien éclairé », admet notre expert photo. D’autant plus que ce maudit soleil qui tape… procure indirectement une belle luminosité aux endroits ombragés. Seul bémol, il faut aussi bien gérer la luminosité à l’ombre que celle des éléments extérieurs en plein soleil présents dans le cadre et potentiellement surexposés voire « brûlés » de manière irrattrapable. En plein soleil ou à l’ombre, gare donc aux UV !

Liens internet :

(1) Denis Closon – Photographe professionnel

www.oneshot.be

https://www.facebook.com/DenisClosonPhotographe/

Dans l’œil de Folon

Nulle notice biographique ne mentionne « photographe » pour qualifier l’aquarelliste, peintre, graveur, affichiste et sculpteur belge renommé. Pourtant, dès l’origine, Folon ne s’est jamais séparé de son appareil argentique. D’abord pour inventorier un tas d’éléments qui inspireront ses œuvres. Ensuite pour immortaliser des moments de connivence avec sa famille, ses amis illustres ou ses coups de cœur comme l’atelier du peintre italien Giorgio Morandi dont il tirera un livre de… photos. La photographie a bien été un élément central de la construction de la pensée visuelle de l’artiste. Et de sa cohérence.  250 clichés enfin rendus publics par la famille de feu Folon composent l’expo à l’angle de vue inédit.

Suivez la flèche

Le parcours pourrait en être fléché tant ce pictogramme urbain a obsédé l’artiste qui comptait compulsivement les flèches, sur sa route entre Paris et Bruxelles et les prenait en photo. Il aime l’ambiance de la ville et des routes et tous leurs signes et mobiliers emblématiques qu’ils fixent sur pellicule. Des visages, des masques, des ambiances aussi. Autant de clichés surprenants, très soignés, qui inspireront graphiquement certaines esquisses de ses œuvres. 

Portraits privés

Mais l’album Folon se révèle encore plus riche dans sa section « portraits ». Ceux par lesquels il a immortalisé ses amis célèbres, ses connaissances privées et quelques moments familiaux. Son objectif a saisi habilement le peintre David Hockney, les comédiens Yves Montand, Miou-Miou, Rufus, le réalisateur Federico Fellini ou encore ses pairs plasticiens, le sculpteur César ou le peintre Alechinsky… Folon privilégie le noir et blanc et démontre en toutes circonstances, notamment des voyages en Egypte ou au Mexique, sa maîtrise de la lumière et son sens du cadrage. Quand il ne se laisse pas lui-même photographier par des références de l’art photographique comme Cartier-Bresson, Lartigue ou Sieff, portraits qui parachèvent ce tour inédit dans la discrète chambre de Folon.

Ateliers discrets

Folon avait aussi une tendresse pour les ateliers. Certains ponctuent discrètement l’expo. Comme celui de Ensor. Ou celui du peintre italien Giorgio Morandi, maître en natures mortes. Fasciné par ce dernier, son œuvre et son lieu de création, Folon tirera en 1985 un livre, « Fleurs de Giorgio Morandi ». Le fruit d’une immersion respectueuse en 1979 dans l’atelier du peintre à Bologne, où rien n’a bougé depuis sa mort en 1964. Sauf la poussière veloutant les « modèles » d’une vie de création : bouteilles, pots, vases et fleurs, comme éternelles. Folon a subtilement capté la poésie du lieu. Ce fut son unique travail photo à avoir été montré. Jusqu’à cette expo. A découvrir absolument.

« Folon Photos Graphiques » , du 26 mai au 25 novembre. Fondation Folon à la Ferme du château de La Hulpe. Drève de la Ramée, 6A. La Hulpe.

www.fondationfolon.be

Une photo géniale n’est jamais un accident

Sauf à appuyer involontairement sur son déclencheur, aucune photo n’est accidentelle. Ceci d’autant moins quand elle se révèle exceptionnelle. Toute prise de vue est, en effet, le fruit d’une combinatoire entre un état d’esprit personnel, un instant T, une connaissance technique minimale et un sujet choisi, consciemment ou inconsciemment. Il est donc vain d’essayer de théoriser ce processus car chaque photographe développe au fil du temps son empreinte photographique propre, et unique. Et chacun aura sa propre définition de ce rapport particulier au monde. Avec quand même en commun, certaines constantes.

Soyez curieux

L’ouverture. On sait à quel point ce réglage et cette capacité variable des diaphragmes d’objectif sont capitaux. Car l’ouverture est synonyme d’intensité de la lumière. L’état d’esprit d’ouverture du photographe est lui aussi le gage d’une meilleure, voire d’une exceptionnelle photo car la curiosité démultiplie les possibilités de sujets sans enfermer le photographe dans des carcans d’horaires, de sujets imposés ou convenus. Cette liberté vous connecte à votre côté créatif, à l’exploration de votre monde personnel. Prenez par exemple le site www.arthotoprints.com que nous évoquions récemment. A travers son écurie éclectique de photographes belges se manifeste la curiosité photographique sous toutes ses facettes : de la magie des océans de Jean-Marie Ghislain à l’insolite urbain de Frédéric Guisset.  

 Copyright Fabrice Bihain

Soyez créatif

L’approche personnelle est au centre du processus créatif car il repose sur votre sensibilité. Celle d’être présent physiquement et intellectuellement pour déclencher, tous les sens en éveil, à « l’instant décisif » que vous soufflera votre intuition. Que ce soit en streetphotography réactive à l’imprévu ou dans les portraits plus posés. « Regardez le sujet, pensez à lui avant de le photographier, regardez jusqu’à ce qu’il prenne vie et vous regarde en retour », conseillait le photographe Edward Steichen. Steve Mc Curry aussi évoque cette chasse subtile de la densité d’un moment « De manière inconsciente, je guette un regard, une expression, des traits ou une nostalgie capable de résumer ou plus exactement de révéler une vie ». Est-ce à dire qu’il n’existe pas de hasard en photo ? Une photo n’est en tout cas jamais le fruit total du hasard, ni celui d’un « art accidentel » comme en produit parfois la nature. Vous savez, quand les caprices de la gravité, de la physique, de la lumière, du vent et/ou de la couleur nous offrent des spectacles étonnants, décalés. Autant de scènes inspirantes pour les photographes qui les immortaliseront. Jamais par hasard mais par affinité avec leur sensibilité créative.

 Copyright Philippe Moes

Soyez toujours prêt

Il n’y a rien de pire que de louper « l’instant décisif » pour faire une photo exceptionnelle car « ce que chaque photographie peut reproduire à l’infini n’a lieu qu’une fois », note l’écrivain français Christian Bobin. Un photographe peut hélas laisser passer des occasions fantastiques soit parce qu’il n’était pas prêt dans sa tête ou pire, dans son équipement ! Mauvais matériel, batteries plates, oubli d’un trépied, de filtres, de lentilles ou de tel ou tel objectif peuvent vous coûter de passer à côté des photos de votre vie. Comme le disait déjà au 19^ème siècle le philosophe John Stuart Mill : « La photographie est une brève complicité entre la prévoyance et le hasard ». Dans les deux cas, soyez parés.  

360° d’aventures tout en un Gopro ... Fusion  !

La firme américaine propose l’arme fatale pour dévorer les grands espaces à 360°…avec un seul appareil. Enfin !, car Gopro a tardé à produire et lancer son Fusion. Une longue attente bien récompensée. L’animal taillé pour l’aventure est en effet un must. Fabrication, ergonomie et prise en main parfaite avec un résultat soufflant en terme d’images et de son. Cependant, il faut être assez rompu à cette technique de prise de vue et aux subtilités informatiques de postproduction pour bien s’en servir. Il vaut en tout cas le coup et… le coût (730 euros) pour un public plus expert et pro que celui qui a fait le succès populaire de la marque Gopro.   

Coup double

Gopro a vu double pour constituer son fusion tout-en-un puisqu’il est composé de deux Hero5Black mis dos à dos et couplés à deux objectifs fisheye hémisphériques. Cela signifie deux électroniques distinctes, deux emplacements de cartes micro SD mais évidemment un seul déclencheur, une seule touche de navigation très intuitive comme ses réglages ou paramétrages. Mais une seule batterie qui aurait gagné à être doublée car  Gopro Fusion attaque en 5,2 K (l’autre option étant 3,2 K) ce qui avec deux cartes de 32 GO ne permet une autonomie un peu frustrante de  seulement 58 minutes… Gourmand, va !

Fusion totale

La caractéristique de l’engin est donc que les images capturées sont enregistrées séparément par les deux axes optiques… décalés l’un par rapport à l’autre. Une option justifiée par Gopro pour un assemblage plus propre des séquences qui se fait sur ordinateur ou smartphones un logiciel Fusion studio très agréable intuitif, complet, puissant. Et toujours gourmand : gare à votre capacité d’espace en cas d’usage intensif.  Côté smartphones, jusqu’en janvier dernier seuls les iPhone et Ipad étaient compatibles avec l’appli GoPro Fusion. Une dizaine d’android se sont depuis ajoutés. A vérifier donc.  Mais quel résultat ! L’assemblage parfait avec chevauchement invisible, l’exposition homogène, les couleurs superbes – et même le son – sont actuellement les plus bluffants de cette catégorie d’appareils.

Gopro pour… pros

Pour l’instant, la star de la prise de vue totale est un outil plus orienté vers le public des pros et des experts de l’image. En effet, son utilisation optimale, dans l’action mais surtout dans la gestion en postproduction, nécessite certaines connaissances techniques indispensables. Mais rien n’interdit aux amateurs les plus mordus de s’y coller pour goûter pleinement aux joies à la fusion 360°

Le Fujifilm X-H1  fait son cinéma

Enfin, avec son nouvel hybride « haute performance », Fujifilm rejoint le peloton des capteurs à stabilisation 5 axes. Une innovation couplée à une autre encore plus importante : le Fujifilm X-H1 se positionne résolument comme un des rares hybrides (avec le GH5 de Panasonic) à offrir un mode UHD 4K cinéma costaud pour séduire le public pro ou semi-pro des vidéastes avec un pied dans la photo. S’il reprend essentiellement l’ergonomie initiée par le X-T2, le nouveau-venu s’épaissit en look mais s’étoffe à plusieurs égards.

Ô ma vidéo

Un signe ne trompe pas le menu vidéo du X-H1 est plus conséquent que son menu photo ! Les mordu de films vont l’adorer. Parce que sa stabilisation de capteur œuvre à fort restreindre les micro-vibrations, même à main levée. Parce qu’il propose de superbes ralentis, un grain fin, des restitutions idéales de couleurs et de tons  (notamment de la couleur chair). Fujifilm offre même un rendu Eterna (inspiré du film argentique du même nom). Un mode offrant une image magnifiquement contrastée avec du détail dans les ombres, sans nécessité de postproduction. Pour appuyer son option « cinéma », Fujifilm sort également deux nouvelles optiques performantes Fujinon MKX.

Photo, du costaud

Si la vidéo lui vole un peu la vedette, le volet photo n’est pas en reste et profite tout autant des avancées d’un appareil, entre parenthèse très robuste et parfaitement tropicalisé (étanche à l’eau, aux poussières et aux températures extrêmes). Un viseur Oled à 3,7 millions de points, très agréable, lumineux, large, un autofocus amélioré hyperréactif en toutes conditions lumineuses, des rafales jusqu’à 14 images seconde, des images super précises et détaillées (grâce au couplage déjà éprouvé sur le X-T2 du capteur CMOS3 au X-Processor Pro) fait du Fujifilm X-H1 un pro tout-terrain prêts pour la photographie sportive et les situations de prises de vue les plus difficiles. Bref, une alternative compétitive face au reflex pour pro et semi-pro qui veulent réunir en un seul boitier performant pro et video pour 1899 euros. Mais...

Le poids de l’énergie

Car il y a un mais… vu que les meilleurs ont toujours leur talon d’Achille. Celui du X-H1 est sa faiblesse d’autonomie, a fortiori accentuée par sa forte dimension vidéo. Pas plus de 300 vues photos avec sa batterie d’origine. Seule solution : acquérir le grip optionnel à deux batteries pour bien en profiter et grimper à 1000-1200 vues. Soit un coût de 329 euros. Mais aussi un poids supplémentaire qui s’ajoute au boîtier déjà imposant et à l’objectif choisi. On est loin de la légèreté et la sveltesse des boîtiers hybrides traditionnels. Le poids de la technologie ?

ArtPhotoPrints, pour embellir votre vie par l’image

La photo est un art et une passion à partager. Tel est le mantra de ArtPhotoPrints, jeune société qui a le bon goût de ne pas se limiter à son expertise technique mais anime un projet artistique global au service de tous. Celui de permettre à chacun, grâce à des photos artistiques, de s’offrir des fenêtres sur le monde, sur l’émotion, sur le rêve, sur l’émoi, sur le moi. Pour cela, trois éléments essentiels : des œuvres de qualité, une impression irréprochable sur les supports modernes les mieux adaptés et une mise en valeur adaptée à chaque intérieur que ces photos originales et authentiques vont rehausser et embellir de manière durable. 

Philippe Moës - Genèse

Photos et photographes

L’originalité de ArtPhotoPrints est de s’être constituée une écurie éclectique de photographes belges. D’où un catalogue, évolutif et varié d’approches photographiques à prix raisonnables. Il y a Jean-Marie Ghislain, le capteur de la magie des océans ; Philippe Moes, le photographe naturaliste ; le paysagiste Fabrice Bihain fidèle à ses Fagnes ; le journaliste globe-trotter Philippe Berkenbaum ; ou encore Frédéric Guisset, explorateur des méandres de l’insolite urbain… Pour tous les goûts. Mais toujours avec cette valeur ajoutée authentique, originale. Et même une certaine belgitude.    

Jean-Marie Ghislain - Together

Impressions  et supports

Il ne suffit pas d’avoir une excellente photo. Encore faut-il la mettre idéalement en valeur et à l’impression, lui conserver toute sa qualité initiale. Grâce à son savoir-faire, aux technologies modernes les plus abouties et aux supports les plus indiqués, l’équipe de ArtPhotoPrints traite chaque œuvre et chaque commande de manière personnalisée. Suivant le type de rendus, entreront en action l’imprimante Arizona ou l’imprimante Prograf. Idem pour les supports. En fonction de l’image, couleur ou noir/blanc, le type de papier variera. Le type de support même car il n’y a pas que le papier dans la vie pour sublimer la photographie. Les panneaux d’aluminium ou de plexiglas ont aussi démontré leurs solides qualités : légèreté, durabilité, rigidité, stabilité et garanties de restitution graphique haute performance.

Philippe Berkenbaum - Le Cigare

Cadres… de vie

Reste à encadrer l’œuvre, quelle qu’elle soit, pour qu’elle cadre au mieux avec notre cadre de vie. Là aussi, ArtPhotoPrints déploie toute sa maestria pour cette dernière phase capitale. L’enseigne propose un choix varié d’encadrements, avec ou sans moulures. Elle s’est surtout fait une spécialité des « caisses américaines », la référence en encadrement d’art dans le monde entier. Grâce à sa ligne épurée, ce cadre simple en bois ou métal s’efface pour encore mieux souligner toute la puissance esthétique et le caractère des images. Et laisser exploser l’émotion de leurs heureux acquéreurs.  

Fabrice Bihain - Alone

www.artphotoprints.com

Expo : toutes les couleurs et les ombres de Gruyaert

Dès les premiers pas, on est jeté en douceur sur quelques Rivages (1)  fixés par Harry Gruyaert. Sur les deux murs du couloir se font face des marines à nulles autres pareilles, par leurs couleurs, leurs compositions quasi picturales et leur mélancolie poétique. La série photographique nous fait une haie d’honneur de ciels menaçants, d’embruns remuants, d’étendues de sables hérissées de silhouettes humaines… Passé ce corridor où soufflent déjà des vents enivrants de beauté, le choc continue. Différemment. Car la rétrospective, consacrée par le FOMU d’Anvers à Harry Gruyaert, - né dans la même ville en 1941 – est magistrale et originale. A voir absolument.  Pour trois raisons.

Copyright Harry Gruyaert

Force tranquille

Harry Gruyaert est connu pour ses formidables séries, comme Rivages qui ouvre l’expo et East West (Moscou-Las Vegas-Los Angeles) qui la referme. Mais l’intelligence de l’événement au Musée de la Photo est d’avoir extrait et isolé d’autres séries, d’autres photos. Et là, en solo, elles explosent de plus belle, la preuve de la puissance évocatrice du photographe. La succession éclectique de ces œuvres fait claquer toute la maîtrise de la couleur (saisie sur son film Kodachrome de prédilection), de la lumière et de la composition. Son jeu intense aussi sur les ombres formant de photo en photo, la signature-fil rouge sombre d’un style imparable et incomparable. Ainsi  par exemple « Extremadura », scène de pique-nique géant en sous-bois dans la touffeur d’un après-midi espagnol provoque par ses verts et ses ombres, une excitation visuelle incroyable ! Où l’on comprend l’influence revendiquée par Harry Gruyaert de la peinture et du cinéma.

Harry sous tous les angles

L’autre qualité de cette célébration de l’œuvre de Gruyaert est d’en exposer toutes les facettes. A côté des photos connues en série ou en solo, l’expo nous mène aussi vers ses incursions sur commandes pour les reportages de l’agence Magnum, dans la réalité rude de l’industrie lourde autant que dans la légèreté textile des campagnes de mode Hermès… Avec toujours la même exigence et la touche poétique et chromatique incomparable. Cette patte « intuitive », mélancolique. Cette volonté de fixer intensément et pour toujours  le moment et l’endroit de prise de vue de chaque photo. 

La modestie des grands

Harry Gruyaert se revendique photographe. Rien de plus. Il laisse au public, s’il le désire, le loisir de le qualifier d’artiste, de génie de la couleur. Il ne revendique pas non plus de recettes esthétiques, ou de procédés incroyables. Seulement un travail personnel purement « instinctif », « intuitif » guidé par le hasard dont la cohérence (comme celle de ses séries) d’abord lui échappe et parfois ne se révèle que bien des années plus tard. Comme son travail sur Las Vegas dans la lumière blafarde du jour et sa vénalité de 1981 et Moscou aux couleurs délavées de désarroi de 1989. Il a attendu des années avant de les montrer. Et 2017, pour les réunir en un livre aux atmosphères contrastées, dont un échantillon clôture cette expo particulièrement bluffante.

Rétrospective Harry Gruyaert

Jusqu’au 10 juin au FOMU (Musée de la photo d’Anvers)

Waalsekaai, 47. Anvers. Infos : www.fotomuseum.be

Conseil de pro: dans le cercle des couleurs

Le photographe de presse Alexis Haulot a appris la Théorie des couleurs, son Cercle et ses principes aux études. Il nous explique l’utilité de parfois s’y référer. « Sans en faire un carcan » plaide notre expert.

C’est quoi  la Théorie des Couleurs ?

« C’est un système assez complexe de classification des couleurs, entre teinte, saturation et luminosité. Les nuanciers Pantone disponibles dans les magasins de déco ou peinture en sont une bonne illustration. La théorie range les couleurs en primaires, secondaires, tertiaires ; chaudes, froides ; en un cercle chromatique. Ce dernier permet de visualiser rapidement les complémentaires, les opposées, les analogues et la formation des nuances au départ des trois couleurs primaires (dites de synthèse additive) de référence en photo que sont le rouge, le vert et le bleu. La Théorie détermine de manière objective les associations pertinentes de couleurs ainsi que leur impact sur la manière dont nous percevons une image. Sur nos émotions. Le rouge évoquera chaleur, énergie, danger… pouvoir, luxe. Le vert sera symbole d’harmonie et de concentration. »

C’est utile pour faire une bonne photo ?

« Les couleurs influencent le message porté par l’image. C’est fondamental en photo publicitaire et de studio. Rien ne peut être laissé au hasard pour obtenir une esthétique mais surtout une adhésion maximale au produit présenté : nombre de banques ou assureurs utilisent le vert ou le bleu dans leurs logos et pubs car ces couleurs inspirent tranquillité, la stabilité, confiance. Plus largement, chaque photographe peut référer à ces codes couleurs pour s’assurer que son image diffuse l’idée qu’il souhaite faire passer. La théorie et le cercle ne sont que des outils, des règles à connaître. Après, libre à chacun de les appliquer, de s’en affranchir ou de les transgresser. »

Que conseiller aux photographes pour penser « couleurs » ?

« Un travail toujours intéressant à réaliser est celui de se focaliser davantage sur la couleur pure que sur le sujet. De choisir de photographier des couleurs uniques ou des couleurs associées par le hasard…et un bon angle de cadrage. Cherchez par exemple tous les objets orange autour de vous et faites-en une série rien que sur base de leur couleur, de leurs nuances. Ou cherchez des oppositions de couleurs chaudes et froides ou des associations de couleurs complémentaires à effet graphique fort. Les jeux sur la couleur sont quasi infinis. Quant à savoir si votre choix personnel intuitif est réellement harmonieux, seul votre œil de photographe, puis celui du spectateur en jugeront. Subjectivement». Mais peut-être en harmonie inconsciente avec la très objective Théorie des Couleurs et son Cercle chromatique.

www.alexishaulot.be